Intervju s glumcem i v.d. ravnateljem Talijanske drame HNK Ivana pl. Zajca Mirkom Soldano
Intervista con l’attore e direttore ff. del Dramma Italiano del TNC Ivan de Zajc, Mirko Soldano
La vita xe meio de un teatro ma no’ ga la regista
Život je bolji od kazališta, ali nema redatelja
Mirko Soldano diplomirao je 2002. na dramskoj akademiji „Piccolo Teatro” u Milanu. Godine 2005. pak godine završava političku ekonomiju na Sveučilištu u Parmi diplomskim radom na temu planiranja u kulturi. U srpnju 2018. magistrirao je video komponiranje na Glazbenom konzervatoriju u Trstu pri Odsjeku za glazbu i novu tehnologiju. Kao glumac je tijekom godina rada, što u Italiji, što u Hrvatskoj, sudjelovao u brojnim filmskim i kazališnim produkcijama. Osvojio je i nekoliko nagrada za svoje djelovanje u HNK Ivana pl. Zajca, među kojima se ističe Šovagovićeva nagrada za najbolju mušku interpretaciju na Festivalu glumca u Vinkovcima. Član je Talijanske drame od 2004. do 2009. te od 2013. godine nadalje.

Unatoč prethodnim radnim i studijskim iskustvima, može se reći da si ipak izrastao i oblikovao se kao glumac upravo u Talijanskoj drami. Što ti znači preuzeti njezino vodstvo?
Preuzimanje vodstva Talijanske drame nakon gotovo dvadeset godina iskustva kao glumac u ansamblu (od 2004. do 2009. i od 2013. do danas) znači, prije svega, preuzeti odgovornost za umjetničko kazalište u njegovom najuzvišenijem smislu. Promatrao sam razvoj ovog kazališta iznutra, sudjelujući u značajnim produkcijama. To mi je iskustvo pokazalo da kazalište mora biti prostor u kojem se tradicija neprestano isprepliće s inovacijom, i u kojom se kulturni identitet obnavlja kroz susrete i razmjene.
Kazalište ne smije biti samo izlog onoga što već poznajemo, već mora biti laboratorij čuđenja, mjesto gdje se riskira, istražuje i propituju uvjerenja. Talijanska drama mora i dalje biti ne samo referentna točka za talijansku nacionalnu zajednicu, već i pravi pokretač umjetničke i kulturne inovacije.
Rođen si u Parmi, na sjeveru Italije, ali ostao si duboko vezan sa zemljom porijekla svojih roditelja – Sicilijom. Misliš li da ti je ta tvoja “sicilijanskost” pomogla da lakše razumiješ složeni kulturni i društveni kontekst u kojem živiš i radiš, odnosno Rijeku i Istru?
Moja “sicilijanskost” je poput tajnog koda koji mi omogućuje da dekodiram složenost pograničnih područja. Odrastanje između dva svijeta – Parme i Sicilije – naučilo me da je kulturna raznolikost neprocjenjivo bogatstvo, nasljeđe koje treba njegovati. Sicilija, baš kao i Rijeka i Istra, prostor je u kojem su se kulture stoljećima taložile, stvarajući jedinstveno bogatstvo.
Ovo mi je osobno iskustvo pomoglo da shvatim važnost kazališta koje uspijeva biti odraz suvremenih složenosti, mjesta gdje se različiti identiteti mogu susresti i međusobno obogatiti.
Kazalište mora biti prostor u kojem se razlike ne brišu, već se stavljaju u poziciju da uspostave kreativni dijalog. Identitet nije nešto statično, već je neprekidan proces transformacije – baš kao i rad glumca, koji se uvijek iznova oblikuje na sceni, u susretu s tradicijama i različitim jezičnim izričajima.
Odlučio si započeti svoj mandat postavljanjem autora koji je duboko povezan s poviješću Talijanske drame – Carla Goldonija. Je li izbor Goldonija također način da naglasiš ne samo svoju povezanost s talijanskim kazalištem u Rijeci, već i s ovim teritorijem i venetskom kulturom?
Suradnja s redateljem Giorgiom Sangatijem i uglednim Teatrom Stabile del Veneto pokazuje smjer u kojem, u dogovoru s intendanticom i Talijanskom Unijom, želimo voditi Talijansku dramu: kazalište koje kroz živu vezu s tradicijom uspijeva govoriti suvremenim jezikom.
Goldoni je za mene predstavlja savršen primjer kako veliki stari klasični autori i dalje nam mogu pomoći da razumijemo sadašnjost. Goldoni stavlja u središte u svojih komedija ljudsko biće, sa svim njegovim proturječnostima i sposobnošću da se prilagodi promjenama. Bavi se temama koje i danas snažno odjekuju. Stoga ovo nije kazališni projekt koji gleda s nostalgijom prema prošlošću, već je to pokušaj da se u tradiciji istraži sadašnjost da se pronađe ono nešto u čemu se možemo prepoznati što nas može zadiviti.
Odabir da započnemo s “La moglie saggia” (Mudra žena) Carla Goldonija, u koprodukciji s Teatrom Stabile del Veneto, predstavlja viziju kazališta koje uspijeva biti suvremeno upravo kroz duboki dijalog s tradicijom. Riječ je o komadu koji nikada prije nije postavljen u Hrvatskoj, a koji se bavi iznenađujuće aktualnim temama.
Predstava La moglie saggia (Mudra žena) nastala je u koprodukciji s uglednom institucijom, Teatrom Stabile del Veneto. Hoće li koprodukcije biti obilježje tvojeg mandata?
Koprodukcije nisu važne samo kao produkcijska strategija, već i kao kulturna vizija. S Teatrom Stabile del Veneto postavili smo na scenu „La moglie saggia“, s festivalom Mittelfest u Cividaleu realizirat ćemo predstavu Iluzije, s Viniciom Marchonijem, dok ćemo s ERT-om realizirati predstavu Dvorce bijesa prema romanu Alessandra Baricca u režiji Valtera Malostija.
Pravi cilj nije samo produkcijska suradnja, već izgradnja mostova između talijanske književne tradicije i novih oblika dramaturgije. Radim s nekima od najzanimljivijih redatelja suvremene talijanske scene na projektima koji istražuju mogućnosti dramaturških adaptacija književnih djela i autorskih drama.
Kazalište mora biti prostor razmjene i međunarodnog dijaloga, mjesto gdje se različite kazališne tradicije mogu susresti i međusobno obogatiti. Ne želim sada iznositi konkretna imena kako ne bih stvorio lažna očekivanja, ali mogu reći da gradimo suradnje koje će Talijanskoj drami donijeti upravo onu napetost između klasičnog i suvremenog – napetost koja je danas istinska snaga europskog kazališta.
Posljednjih se godina nastojalo obnoviti ansambl Talijanske drame angažiranjem glumaca iz Italije. Ne misliš li da bi jedan od zadataka Talijanske drame, kao institucije Talijanske nacionalne zajednice, trebao biti i zapošljavanje glumaca, pisaca, scenografa, kostimografa i drugih umjetnika koji dolaze iz istro-kvarnerske talijanske zajednice, tj. autohtone Talijanske manjine koja živi u Hrvatskoj i Sloveniji?
Uvjeren sam da Talijanska drama mora biti referentna točka za Talijansku nacionalnu zajednicu koja živi u Hrvatskoj i Sloveniji, ali istovremeno mora biti i most prema Europi i svijetu. Prava vrijednost leži u sposobnosti uspostavljanja dijaloga između različitih stvarnosti, u otvaranju prema vanjskom svijetu bez gubitka povezanosti s lokalnim prostorom. Ključno je izbjeći autoreferencijalnost i održati dinamičnu razmjenu s lokalnom zajednicom.
Zbog toga smatram iznimno važnim omogućiti mladim umjetnicima iz Talijanske manjine priliku da se školuju i stječu iskustvo izvan naših granica – primjerice kroz stipendije – kako bi se potom vratili i obogatili našu sredinu novim kompetencijama i svježim vizijama. Takav pristup ne samo da sprečava zatvaranje u vlastite okvire, već potiče zdravu generacijsku smjenu i donosi nove impulse. Cilj nije samo očuvanje identiteta u statičnom smislu, već njegovo osnaživanje i razvoj kroz dijalog s drugim umjetničkim i kazališnim tradicijama.
Konkretno, u okviru Talijanske drame vrata su uvijek otvorena za sve prijedloge i inicijative koje dolaze iz istro-kvarnerske talijanske zajednice. Uskoro ćemo u našem programu predstaviti „lekciju-predstavu“ Vannija D’Alessija s glumcima Talijanske drame i drugim gostima na temu „fiumanità e identità* (fiumanstvo i identitet). Riječ je o formatu koji bismo željeli dodatno razviti u budućnosti, s ciljem otvaranja prostora za druge umjetnike iz naše zajednice koji žele istraživati i stvarati nove izražajne forme u suradnji s Talijanskom dramom, baveći se temama koje su nam svima bliske.
Među inicijativama koje si odmah pokrenuo nalazi se i natječaj za nove dramske tekstove posvećen mladim autorima. Reci nam nešto više o tom natječaju.
Natječaj „Futuro Passato proizašao je iz FESTIL-a, projekta koji je osmislio Tommaso Tuzzoli za Kulturnu udrugu Tinaos, i koji se organizira sada već četvrti put za redom. Jedan od ključnih partnera i pokrovitelja je CSS – Stalno inovativno kazalište Furlanije-Julijske krajine. Ove se godine Talijanska drama pridružuje projektu koji objedinjuje obrazovanje, kreativno stvaralaštvo i kazališnu produkciju.
Posebnost natječaja leži u stvaralačkom procesu koji vodi Federico Bellini, međunarodno priznati dramaturg, čija je uloga pratiti autore mlađe od 40 godina od početne ideje do finalne verzije teksta.
Zahvaljujući mreži suradnji – u koju su uključeni Casa del Contemporaneo, Elsinor, Fondazione Istituto Dramma Popolare iz San Miniato (Toskana), Hystrio i Sonar – najzanimljiviji tekstovi koji će biti poslani na natječaj, moći će postati prdstave.
U vremenu kada je sama ideja Europe kao zajednica država, postala predmet rasprava i preispitivanja, ovaj projekt postaje radionica u kojem se kroz kazalište istražuju novi načini pripovijedanja i razumijevanja složene stvarnosti naših pograničnih prostora. Rijeka, sa svojim strateškim položajem u multikulturalnom i višejezičnom okruženju, predstavlja ključnu postaju ovog stvaralačkog puta.
Nadam se da će naši sunarodnjaci i svi talijanski govornici sudjelovati u velikom broju. Jedino ograničenje koje je, nažalost, uvjet kojeg je postavilo talijansko ministarstvo, odnosi se na dob sudionika – natječaj je otvoren isključivo autorima mlađima od 40 godina.
Objavljujemo ovaj intervju u sklopu moje rubrike pod naslovom Mala škola fijumanskog dijalekta – Picia scola de dialeto fiuman, koja izlazi na portalu ArtKvart i, kao što sam naziv sugerira, posvećena je fijumanskom dijalektu. Može li, prema tvojem mišljenju, Talijanska drama pridonijeti očuvanju i razvoju fijumanskog jezika?
Fijumanski dijalekt predstavlja vrijednu kulturnu baštinu koja zahtijeva sustavan i zajednički pristup kako bi se osigurala njegova zaštita i valorizacija. Smatram da taj proces mora biti rezultat suradnje različitih aktera unutar lokalne zajednice, što se već godinama ostvaruje kroz inicijative prisutne unutar talijanskih zajednica, ali i putem institucionalnih mehanizama poput venecijanskog regionalnog zakona br. 15/1994, radijskih i televizijskih programa poput Sconfinamenti, Festivala istrovenetskog jezika te aktivnosti amaterskih kazališnih družina.
Talijanska drama svakako može dati doprinos kroz specifične projekte koji istražuju izražajne mogućnosti fiumanskog jezika, no naš temeljni zadatak ostaje usmjeren na talijanski jezik i njegovu povijesnu kazališnu varijantu – venecijanski jezik.
Kazalište je, po svojoj naravi, prostor eksperimenta i ne isključujem mogućnost da će u budućnosti nastati projekti koji će fijumanski i istrovenetski jezik staviti u središte istraživanja. Ključno je, međutim, da se to dogodi ne iz osjećaja obveze, već iz istinske umjetničke i kulturne radoznalosti – iz želje za istraživanjem novih kazališnih izraza koji proizlaze iz jezične i identitetske slojevitosti našeg prostora.
Reci mi neku riječ ili rečenicu na fijumanskom koja te se posebno dojmila.
“La vita xe meio de un teatro ma no’ la ga regista.” (Život je bolji od kazališta, ali nema redatelja).
Ova parafraza Shakespearea prisutna je i u venecijanskoj tradiciji komedije dell’arte te izražava istinu o odnosu između umjetnosti i života. Zanimljiv mi je kontrast: u kazalištu postoji redatelj koji vodi, organizira i daje smisao scenskoj radnji, dok u životu ne postoji unaprijed zadani režijski plan. Na pozornici je sve pažljivo osmišljeno – čak je i improvizacija rezultat tehnike i pripreme.
Život nas, međutim, neprestano iznenađuje, i mi sami moramo postati vlastiti redatelji. Možda je pravi izazov koristiti alate koje nam kazalište pruža – prisutnost, slušanje, sposobnost reagiranja na nepredviđeno – kako bismo se suočili sa životom koji nema niti probe niti redatelja.
Kazalište, sa svojom disciplinom i strogošću, paradoksalno postaje škola slobode, laboratorij u kojem učimo kako upravljati nepredvidivošću života.

Intervista al ff. Dirttor del Dramma Italiano Mirko Soldano
Mirko Soldano si è diplomato nel 2002 alla Scuola di recitazione del “Piccolo Teatro” di Milano. Nel 2005 si è laureato in Economia politica all’Università di Parma con una tesi sulla pianificazione culturale. A luglio 2018 conseguirà il master II livello presso il Conservatorio di musica di Trieste, Dipartimento di Musica e Nuove Tecnologie, in videocomposizione. Nei suoi anni di lavoro come attore in Italia e in Croazia ha preso parte in diverse produzioni cinematografiche e teatrali. Vince diversi premi interni al teatro I. Zajc; si ricorda il premio Šovagović come migliore interpretazione maschile al festival dell’attore di Vinkovci. È stato membro del Dramma Italiano all’HNK di Fiume dal 2004 al 2009 e dal 2013 ad oggi.

Nonostante le precedenti esperienze lavorative e di studio, si può dire che tu sia comunque cresciuto e ti sia formato come attore al Dramma Italiano. Che cosa significa per te averne assunto la direzione?
Assumere la direzione del Dramma Italiano dopo quasi vent’anni di esperienza come attore nella compagnia (dal 2004 al 2009 e dal 2013 ad oggi) significa soprattutto assumersi la responsabilità di un teatro d’arte nel senso più alto del termine. Ho vissuto l’evoluzione di questo teatro dall’interno, partecipando a produzioni significative. Questa esperienza mi ha insegnato che il teatro deve essere un luogo dove la tradizione dialoga costantemente con l’innovazione, dove l’identità culturale si rinnova attraverso gli scambi e le contaminazioni.
Il teatro non deve limitarsi a essere una vetrina per ciò che già conosciamo, ma deve essere un laboratorio di stupore, dove si rischia, si esplora, si mettono in discussione certezze. Il Dramma Italiano deve continuare a essere non solo un punto di riferimento per la comunità nazionale italiana, ma un vero motore di innovazione artistica e culturale.
Sei nato a Parma, al Nord Italia, ma mantieni comunque un forte legame con la terra d’origine dei tuoi genitori, che è la Sicilia. Credi che questa tua “sicilianità” ti abbia permesso di comprendere più facilmente il complesso contesto culturale e sociale in cui sei venuto a vivere e a lavorare, ovvero Fiume e l’Istria?
La mia sicilianità è come un codice segreto che mi permette di decifrare le complessità dei territori di confine. Crescere tra due mondi – quello di Parma e quello della Sicilia – mi ha insegnato che la diversità culturale è una risorsa preziosa, un patrimonio da valorizzare. La Sicilia, come Fiume e l’Istria, è una terra dove le culture si sono stratificate creando una ricchezza unica. Questa esperienza personale mi ha aiutato a comprendere l’importanza di un teatro che sappia essere specchio delle complessità contemporanee, un luogo dove le differenti identità possano dialogare e contaminarsi.
Il teatro deve essere uno spazio dove le differenze non si cancellano, ma si mettono in relazione creativa. L’identità non è qualcosa di fisso, ma un processo in continua trasformazione, proprio come il lavoro dell’attore, che ogni volta si reinventa sul palco attraverso il dialogo con tradizioni e linguaggi diversi.
Hai scelto d’iniziare il tuo mandato mettendo in scena un autore a cui è legata profondamente la storia del Dramma Italiano, Carlo Goldoni. La scelta di Goldoni è anche un modo di sottolineare il tuo legame, non solo con la compagnia teatrale italiana di Fiume, ma anche con il territorio, con la cultura veneta?
La scelta di iniziare con “La moglie saggia” di Goldoni in coproduzione con il Teatro Stabile Veneto rappresenta la visione di un teatro che sappia essere contemporaneo proprio attraverso un dialogo profondo con la tradizione. È un’opera mai rappresentata prima nel nostro paese che affronta temi sorprendentemente attuali. La collaborazione con il regista Giorgio Sangati e il prestigioso Teatro Stabile Veneto indica la direzione che in accordo con la sovraintendente e l’Unione Italiana vorremmo dare al Dramma Italiano: un teatro d’arte che sappia parlare al presente attraverso un rapporto vivo con la tradizione.
Goldoni è per me un esempio perfetto di come i grandi autori del passato possano ancora aiutarci a decifrare il presente. Le sue commedie mettono al centro l’essere umano con le sue contraddizioni e la sua capacità di adattamento al cambiamento, temi che risuonano potentemente anche oggi. Non si tratta quindi di un gesto nostalgico, ma di una rilettura che cerca di portare alla luce ciò che nella tradizione può ancora parlarci e stupirci. Non una riscrittura con il titolo di Goldoni, ma la sfida di tenere per due ore e venti gli spettatori incollati alle poltrone cercando di mostrare il testo nella sua bellezza.
Lo spettacolo “La moglie saggia” nasce in coproduzione con un ente prestigioso quale il Teatro stabile del Veneto. Le coproduzioni saranno la cifra del tuo mandato?
Le coproduzioni sono fondamentali non solo come strategia produttiva, ma come visione culturale. Con il Teatro Stabile Veneto portiamo “La moglie saggia”, con il Mittelfest di Cividale realizzeremo “Illusioni” con Vinicio Marchioni, con ERT avremo sulla scena „Castelli di rabbia“ di Baricco per la regia di Valter Malosti. Il vero orizzonte è la creazione di un ponte tra la tradizione letteraria italiana e le nuove forme di drammaturgia. Sto lavorando con alcuni dei registi più interessanti della scena italiana contemporanea per progetti sulla drammaturgia di adattamenti da romanzi e opere prime.
Il teatro deve essere uno spazio di scambio e di dialogo internazionale, dove le diverse tradizioni teatrali possano incontrarsi e contaminarsi. Non voglio fare nomi per non creare false aspettative, ma posso dire che stiamo costruendo collaborazioni che porteranno al Dramma Italiano quella tensione tra classico e contemporaneo che è la vera forza del teatro europeo oggi.
Negli ultimi anni si è cercato di rinnovare i quadri del Dramma Italiano assumendo attori che arrivano dall’Italia. Non credi che uno dei compiti del DI, in quanto istituzione della Comunità Nazionale Italiana, dovrebbe essere anche quello di ingaggiare attori, scrittori, scenografi, costumisti e via dicendo, che fanno parte della Comunità italiana dell’istro quarnerino?
Sono convinto che il Dramma Italiano debba essere un punto di riferimento per la Comunità Nazionale Italiana, ma anche un ponte verso l’Europa e il mondo. La vera ricchezza sta nella capacità di creare un dialogo tra le diverse esperienze, di aprirsi al mondo senza perdere il legame con il territorio. È fondamentale evitare l’autoreferenzialità mantenendo vivo il dialogo con la comunità locale.
Per questo motivo, credo sia importante offrire ai giovani della comunità la possibilità di formarsi altrove, magari con borse di studio, per poi tornare e contribuire con nuove competenze e visioni. È un approccio che evita di chiudersi su sé stessi e che stimola un ricambio generazionale virtuoso. L’obiettivo non è solo quello di “preservare” un’identità, ma di farla evolvere, arricchendola attraverso il confronto con altre esperienze e culture teatrali. Nello specifico della realtà del DI le porte sono sempre aperte per tenere in considerazione tutte le proposte, le energie che arrivano dalla CNI istro-quarnerina. A breve ci sarà nel programma una lezione-spettacolo di Vanni D’Alessio con gli attori del DI e altri ospiti su “fiumanità e identità”. Si tratta di una sorta di format che vorremmo approfondire per altre lezioni spettacolo di connazionali che vogliono creare, esplorare insieme al DI altre forme espressive di spettacolo su temi cari alla nostrà comunità.
Tra le iniziative che hai immediatamente avviato è un concorso per giovani autori di teatro. Parlacene.
Il concorso Futuro Passato nasce da FESTIL, progetto ideato da Tommaso Tuzzoli per l’Associazione culturale Tinaos, che giunge alla sua quarta edizione, e che ha come partner sostenitore il CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli Venezia Giulia. Quest’anno il Dramma Italiano si unisce a questo percorso che unisce formazione, creazione e produzione teatrale. La particolarità sta nel processo creativo guidato da Federico Bellini, drammaturgo di rilevanza internazionale che accompagna i drammaturghi under 40 dall’ideazione alla scrittura finale.
Grazie alla rete di collaborazioni costruita – che include Casa del Contemporaneo, Elsinor, Fondazione Istituto Dramma Popolare di San Miniato, Hystrio e Sonar – i testi più interessanti potranno trasformarsi in produzioni teatrali. In un momento in cui l’idea stessa di comunità europea è in discussione, il progetto diventa un laboratorio dove esplorare, attraverso il teatro, nuovi modi di raccontare e comprendere la complessa realtà dei nostri territori di confine, con una significativa tappa a Fiume che rappresenta un punto focale per la sua posizione strategica in un territorio multiculturale e plurilingue. Spero che i nostri connazionali e gli italiofoni parteciperanno numerosi; l’unica limitazione richiesta, purtroppo per una questione di finanzimento del ministero italiano, è rappresentata dall’età perché si tratta di under 40.
Pubblichiamo quest’intervista nell’ambito di una mia rubrica che s’intitola Mala škola fijumanskog dijalekta – Picia scola de dialeto fiuman che viene pubblicata dal portale Art Kvart ed è dedicata, come dice il titolo, al dialetto fiumano. Può, secondo te, il Dramma Italiano contribuire alla tutela e allo sviluppo del fiumano?
Il dialetto fiumano rappresenta un patrimonio culturale prezioso che richiede un approccio condiviso e sistemico per la sua tutela e valorizzazione. Credo che questo lavoro debba essere il frutto di una collaborazione tra diverse realtà del territorio, come sta già avvenendo da anni con le iniziative presenti nelle comunità degli italiani, ma anche attraverso la legge regionale del Veneto n.15/1994, i programmi radiotelevisivi come “sconfinamenti”, il Festival dell’Istroveneto, le compagnie amatoriali. Il Dramma Italiano può certamente contribuire attraverso progetti specifici che ne esplorino le potenzialità espressive, ma il nostro compito principale rimane quello di concentrarci sulla lingua italiana e sulla sua variante teatrale storica: la lingua veneta.
Il teatro è per sua natura un luogo di sperimentazione, e non escludo che in futuro possano nascere progetti che mettano al centro l’istroveneto, il fiumano. L’importante è che questo avvenga non per un senso di dovere, ma per un reale interesse artistico e culturale, con la curiosità di esplorare nuove forme di espressione teatrale.
Ultima domanda: scrivimi la parola o la frase in fiumano che più ti piace.
“La vita xe meio de un teatro ma no’ ga la regista.” Questo detto parafrasato da Shakespeare è presente anche nella tradizione veneta della commedia dell’arte, e coglie una verità sul rapporto tra arte e vita. Per me è interessante il contrasto: nel teatro abbiamo un regista che guida, ordina, dà senso all’azione scenica, mentre la vita scorre senza una regia prestabilita. Sul palco tutto è studiato – anche l’improvvisazione è frutto di tecnica e preparazione. La vita invece ci sorprende continuamente, dobbiamo essere noi i registi di noi stessi.
Forse la sfida è quella di usare gli strumenti che il teatro ci ha dato: la presenza, l’ascolto, la capacità di reagire all’imprevisto, per affrontare una vita che non ha né prove né regista. Il teatro, con la sua disciplina e il suo rigore, diventa paradossalmente una scuola di libertà, un laboratorio dove impariamo a gestire l’imprevedibilità della vita.
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